La nuova mostra dell’artista cileno alla Whitechapel Gallery, intitolata Living Threads, districa sei decenni di arte, attivismo e Resistenza radicale
Da più di mezzo secolo, Cecilia Vicuna Affrontare i sistemi patriarcali e incentrati sull’Occidente che hanno portato all’attuale crisi climatica. L’artista cileno ha in corso una serie di ‘kifus’: sculture in lana tinta che utilizzano intricati motivi annodati ispirati al sistema di comunicazione non alfabetico utilizzato nella cultura andina. È anche una poetessa molto rispettata, scrive più di una dozzina di libri e spesso utilizza il linguaggio parlato o scritto come partner del suo lavoro visivo. Ora, la Whitechapel Gallery è in mostra Fili viventiRiunendo installazione, video, pittura, poesia e attivismo di Vicunya.
“Ho deciso che avrei lavorato con questo materiale coloniale imposto (pittura ad olio), ma lo avrei sovvertito.” -Cecilia Vicuna
Quando si trasferì a Londra all’inizio degli anni ’70, Vicuna rimase scioccata dalla realtà di una città che conosceva così poeticamente attraverso il cinema e la letteratura. “C’era una differenza tra fantasia e realtà”, sorride. “Ho visto Blow Up, di Michelangelo Antonioni. C’è un’estetica straordinaria nel film, e ovviamente era anche il momento di ragazze come Twiggy e Mary Boone… Si ha l’idea che Londra sia un posto fantastico. Sono atterrato e ho visto la sofferenza della gente.
Trasferitasi a Londra con una borsa di studio per studiare allo Slade, Vicuna non conosceva nessuno e fu ospitata in un edificio dell’Arts Council a Stepney Green. Trovò tutte le porte chiuse, in netto contrasto con il Cile, dove gli artisti condividevano tè e caffè in un’atmosfera comune. “La differenza culturale era grande.” Poi, nel 1973, la vita in Cile fu violentemente smantellata dal colpo di stato militare del generale Augusto Pinochet. Descrive l’apprendimento di orribili brutalità attraverso le notizie del Regno Unito, di amici violentati, torturati e scomparsi.
“È stata come la fine del mondo. È stato un livello di violenza che non avremmo mai potuto immaginare. Era come se qualcosa in me fosse morto, così come è morto in così tante persone. Dovevamo trovare la forza per continuare e agire in solidarietà”. L’Inghilterra, all’epoca governata dal Partito conservatore, cercò di ritirare i visti per le borse di studio a Vicunia e a molti dei suoi studenti cileni. Lottò con successo per mantenere il suo posto e andò in esilio, per poi trasferirsi a New York.
“La mia politica era quella di essere un cattivo pittore, nello spirito di andare contro ciò che era percepito come una buona pittura dal punto di vista coloniale.” -Cecilia Vicuna
Nella mostra sono incluse riproduzioni dei suoi primi dipinti. Ha iniziato a dipingere nel 1969, dopo una visita al MoMA in cui è stato pubblicato uno dei suoi libri di poesie. Vide quanto il lavoro fosse minimalista, bianco e maschile, e rimase colpita dal contrasto con un “quadro cosiddetto primitivo” nell’angolo della stanza. “Mi ha fatto sentire chi sono. Ho deciso che avrei lavorato con questo materiale coloniale imposto (pittura ad olio), ma lo avrei sovvertito. È stata ispirata dal modo in cui gli artisti indigeni hanno alterato le immagini religiose imposte per creare connessioni tra idee cristiane e indigene.
Le sue opere sono forti e giocose. Llaverito (Blue Lady) / Ladilla, Crab (1977/2019) mostra un ibrido donna/crostaceo. Imbevuta di arancione brillante, stringe un mazzo di chiavi, facendo riferimento ai soprannomi colombiani e cileni per le donne sia come detentrici delle chiavi del piacere che come granchi fastidiosi. In questo lavoro la donna si permette di essere molto. Jaguar II (1978/2025) mostra una figura muscolosa con caratteristiche combinate di umani e grandi felini, che si carica con forza verso lo spettatore. Vicuña voleva mostrare la donna fusa con un giaguaro, bellissimo. Il lavoro è stato ispirato vedendo un giaguaro tenuto in una buca nel profondo della foresta, che camminava avanti e indietro come una donna imprigionata. La stanza è intitolata Pain Things, un riferimento al suo rapporto conflittuale con il mezzo.
Il suo professore di diapositive ha detto che il suo lavoro era “ridicolo, irrilevante e arretrato, ma conosco molta storia dell’arte, ecco perché dipingo in questo modo. La mia politica era quella di essere un cattivo pittore, nello spirito di andare contro ciò che era percepito come buona pittura dal punto di vista coloniale.” Molte delle sue opere originali furono distrutte. È stato solo nel 2013, quando è stata invitata a esporre alla England & Co. di Londra, 35 anni dopo aver smesso, che ha deciso di ricostruire un dipinto.
Dagli anni ’70, il suo lavoro ha creato forti connessioni tra il corpo femminile e il mondo naturale. Nella Whitechapel Gallery, il suo vivace e sanguinoso Quipu Menstrual 1 (unnotted) (2006/2024) è appeso nella prima sala. È una delle numerose opere che vedono vaste fasce di lana non filata appese al soffitto, in parte ispirate dal vedere il sangue mestruale su un assorbente quando era adolescente. L’opera si è evoluta da The Blood of Glaciers (2006) che ha visto l’artista stendere fili di lana rossa ai piedi del ghiacciaio El Plomo, in Cile.
Quando ha iniziato a lavorare, c’era poca discussione generale sulla crisi climatica, ma gli avvertimenti erano già in circolazione. “Questo messaggio è stato ignorato dagli anni ’60. Le scienziate già nel 19° secolo analizzavano che le emissioni di carbonio avrebbero causato un riscaldamento del pianeta a tal punto che la civiltà umana non sarebbe più stata sostenibile.” Ora vede che conviviamo con le conseguenze della negazione, che diventano più forti delle prove. “Siamo diretti verso un livello di distruzione e di dolore che l’umanità non ha mai sopportato. E siamo disposti ad andare in quella direzione.”
Il suo lavoro richiede un ecofemminismo radicato nella cura della comunità; Si ispira alle strutture matriarcali delle comunità indigene in Africa, America meridionale e Nord Europa. “Quando sono arrivata a Londra per la prima volta, c’era un’ondata di femminismo che negava che il corpo fosse connesso alla terra”, dice. “Ciò che serve è una sorta di femminismo visionario in cui le donne siano realmente responsabili per la loro sensibilità e il loro modo di prendersi cura della continuità della vita. Per riorientare la cultura verso la cura e la rigenerazione, invece che verso la distruzione.”
Ora ha 78 anni e gode della saggezza dei suoi anni. “Non ho mai notato che alle donne anziane piaccia pas é”, mi ha detto. “Avevo una profonda ammirazione per le mie due nonne, mia madre e le mie zie. Sapevo che essendo una donna anziana, se avevi la tua arte, eri perfetta. Non ho mai avuto paura della vecchiaia.” Nel 2017 ha fatto parte di Documenta 14, che lei descrive come piena di donne forti negli anni ’90. “È stato magnifico vedere la potenza e la bellezza del loro lavoro. Mi sono sentita così orgogliosa di far parte degli anziani. Ora sono davvero percepita come una nonna, o un’anziana, e penso che sia la cosa più piacevole del mondo.”