Mentre la Tate Modern apre la prima mostra britannica del lavoro di Ana Mendieta in più di un decennio, esploriamo il legame terreno dell’artista cubana, Pratica guidata dal corpo
In meno di due decenni, Ana Mendita Ha avuto un impatto profondo e duraturo sull’arte contemporanea. Nata a Cuba nel 1948, fu esiliata negli Stati Uniti. Mendita era profondamente legata alla terra, creando potenti pezzi politici con materiali naturali che a volte riflettevano il paesaggio cubano. La distribuzione e l’alterità, sentite così fortemente nella sua vita, si intrecciano attraverso i suoi pezzi, che richiedono una risposta gutturale o evidenziano un’esausta inazione nel suo pubblico.
Nel 1985, all’età di 36 anni, Mendita cadde dalla finestra del suo appartamento di New York e morì. Suo marito, l’artista Carl Andre, è stato accusato di averla spinta e successivamente è stato assolto; Coloro che la conoscevano e molti nel mondo dell’arte credono ancora fermamente che sia stato lui a ucciderla. La morte violenta una volta minacciò di oscurare la sua grande opera, il suo impegno a favore della vittima di un terribile crimine. La nipote dell’artista e amministratrice immobiliare, Raquel Cecilia Mendieta, conduce da tempo una campagna per riportare l’attenzione sulla sua vita e sul suo lavoro.
Mentre la Tate Modern apre la prima mostra approfondita del lavoro di Mendieta nel Regno Unito da oltre un decennio, AnOther esplora gli aspetti salienti della sua pratica.
1. Ana Mendita fu esiliata da Cuba all’età di 12 anni
Il padre di Ana Mendita era un avvocato a Cuba, il suo prozio Carlos era il presidente. Dopo la Rivoluzione cubana del 1959, suo padre fu incarcerato per aver collaborato con la CIA. E la giovane artista fu esiliata senza i suoi genitori. È stata reclutata dall’Avana in un’iniziativa congiunta della CIA. E la Chiesa cattolica, stabilitasi in Iowa, dove si muoveva tra orfanotrofi, riformatori e affidamenti. Ha vissuto la prima volta come un’outsider, e poi è cambiata: “Ho deciso che sarei diventata un’artista o una criminale”. Cuba ha una presenza ricorrente nel suo lavoro: ha inclinato una silhouette del 1981 in modo che la marea cubana potesse entrare e uscire dal contorno vuoto del suo corpo; Alla fine degli anni ’70 è stata membro fondatore del Circulo de Cultura Cubana, che organizzava scambi di artisti con gli Stati Uniti.
2. Inizialmente si è formata come pittrice
La formazione artistica iniziale di Mendieta presso l’Università dell’Iowa è stata più tradizionale della sua pratica finale, concentrandosi sulla pittura. Ha studiato per il suo master con l’artista tedesco Hans Breder, che ha avuto una forte influenza sul suo lavoro sperimentale, supervisiona il programma intermedio e incoraggia un approccio interdisciplinare. I suoi dipinti contengono alcuni elementi riconoscibili del suo lavoro successivo, comprese composizioni fisiche restrittive e autoritratti. Alcune delle foto di Mendita sono incluse nella retrospettiva della Tate; Un pezzo del 1969 intitolato De película raffigura una figura rossa e gialla infuocata schiacciata a disagio nella tela, mentre un autoritratto del 1970 mostra l’artista in colori caleidoscopici che guarda direttamente lo spettatore.
3. Ha lavorato con sangue vero
Negli anni ’70, i materiali di Mendieta divennero meno convenzionali, con molti pezzi che utilizzavano secchi di sangue di mucca o scarti di macellazione. In opere come Sweating Blood (1973), si fa gocciolare la sostanza organica sul viso in risposta allo stupro e all’omicidio di una donna nel campus dell’Università dell’Iowa. Il sangue viene utilizzato per evidenziare l’ingiustizia e la spesso indifferenza mostrata nei suoi confronti; Per Moffitt Building Piece (sempre del 1973) ha versato gli scarti della macellazione sotto la porta di casa e sul marciapiede, fotografando la mancanza di preoccupazione o risposta da parte dei passanti.
4. Il corpo era centrale nel suo lavoro, a volte non da lei
Il corpo di Mendieta era vitale per l’opera stessa. A volte utilizzava direttamente la propria presenza e la propria immagine. Una delle prime serie Untitled (Glass on Body Imprint – Face) del 1972 mostrava il suo viso violentemente premuto contro una lastra di vetro da diverse angolazioni. Ha manipolato la sua immagine in altri modi, schiarendo i capelli e la pelle nella serie Untitled (Facial Cosmetic Variations), 1972, per sfidare la sua razzializzazione negli Stati Uniti. Ha giocato anche con l’assenza del corpo, coprendo la sua forma fisica e successivamente delineando la sua silhouette per la serie Decayable Silhouette. Ha utilizzato materiali naturali come fiori, fango, rocce, foglie e sabbia per il lavoro e ha acceso polvere da sparo per bruciare l’immagine nel terreno. “Ho deciso che non volevo più fare quel lavoro (perché) non mi piace particolarmente la performance art”, ha detto.
5. Il suo lavoro abbraccia il femminismo intersezionale
Spinta dalla sua esperienza vissuta di sfollamento e da altri negli Stati Uniti, Mendieta ha adottato un approccio intersezionale al femminismo, esplorando i punti di incontro di genere, razza e persino età. Queste idee sono intrecciate in tutto il lavoro ed espresse non come un bisogno di sfuggire all’alterità, ma di abbracciarla. Nella dichiarazione curatoriale per una mostra di artiste di colore, Mendita ha scritto: “In quanto donne non bianche, le nostre combattenti sono duplici. Questa mostra non indica necessariamente l’ingiustizia o l’incapacità di una società che non ha voluto includerci, ma piuttosto un desiderio personale di continuare a essere “altre”.
Ana Mendita È aperto alla Tate Modern fino al 17 gennaio 2027.