Una strana caccia al tesoro storico-artistica da Frieze Masters

Non ci ho mai pensato maestri dei prezzi Tenda come principale divertente. Tutto quel beige, luci scure, mobili discutibili, i commercianti vestono le loro bancarelle come mini musei. Non esattamente un terreno fertile per la sovversione sessuale. Frieze Masters è il fratello maggiore di Frieze London, con un po’ più di soldi e un’ora di andare a dormire prima. Alcuni anni non mi preoccupo nemmeno del pellegrinaggio. Ma quest’anno, Modernismo queering: linguaggi visivi del XX secolo Mi ha dato un motivo per avventurarmi a nord attraverso Regent’s Park.

Curato da Anke Kempkes (la cui mostra Queer Modernism 1900–1950 è esposta al K20 di Dusseldorf nel 2025–26), il progetto mette in luce il lavoro svolto in tutta la fiera, dal primo modernismo alle scene artistiche queer degli anni ’80. Una mostra museale e una fiera d’arte sono animali diversi. Come dice Kempkes, “Il mercato è inevitabilmente parte del quadro (…) Le gallerie portano reti specializzate e la possibilità di rintracciare opere che sono scomparse dalla vista del pubblico. In questo senso, il mercato può diventare un altro meccanismo di recupero storico-artistico.” Sopra il tendone, decorato con etichette gialle, ci sono una manciata di gallerie che rappresentano artisti che Kempkes ha sottolineato per chiedersi cosa succede al modernismo quando la stranezza non è più una nota biografica. Una sorta di allegra caccia alle uova storico-artistica.

Kempkes tratta il queer come “un’ampia categoria analitica e formazione sociale piuttosto che un’etichetta identitaria retrospettiva imposta uniformemente su personaggi storici”. Lo storico Jonathan D. Katz ha descritto il modernismo e l’omosessualità come: Gemelli fraterniUna formulazione che Kempkes trova produttiva perché va oltre un mero “incidente di cronologia”. Entrambe, dice, “sono emerse come formazioni moderne riconoscibili all’incirca nello stesso momento storico”, comportando “un’autocosciente dissidenza dalle convenzioni dominanti, la formazione di sottoculture e, soprattutto, l’uso di codici che potrebbero segnalare l’appartenenza a coloro che sono in grado di leggerli e rimanere opachi agli altri”. Ho parlato con Kempkes di cinque artisti che si sono presentati in fiera: Glynn Philpott, Claude Cahun, Luis Fernando Zapata, Ruth Bernhard e Alice Neel. Vale la pena vederli tutti di persona, acquistarli (se rientri nella fascia fiscale) o cercarli su Google mentre torni a casa.

Glynn Philpott (1884-1937)

Il primo è il pittore e scultore britannico Glyn Philpott (1884-1937), che fu uno dei ritrattisti più ricercati dell’era edoardiana. Sebbene radicati negli antichi maestri, i suoi dipinti sono inconfondibilmente cosmopoliti. Per anni ho tenuto il suo Ritratto della ballerina André Eglevsky (1937) appuntato sul mio portatile, anche se non ho mai visto il suo lavoro dal vivo. Frieze Masters offre due possibilità di osservare da vicino l’eleganza di Philpott (ahimè, non il ballerino). In Agnews, si tratta del suo ritratto del 1929 di Henry Thomas nei panni del re biblico Balthazar, “un’opera ricca di complesse implicazioni sociali e politiche” spiega Kempkes. “Thomas, un immigrato giamaicano, divenne il modello principale, servitore e interesse romantico di Philpott. La loro relazione fu inevitabilmente strutturata dalle gerarchie coloniali e sociali della Gran Bretagna tra le due guerre, ma anche le dignitose rappresentazioni di soggetti neri di Philpott oltrepassarono i confini e si collegarono al suo interesse per il Rinascimento di Harlem.” Fine Art, Penelope (1923) di Jonathan Clarke, tratto dall’Odissea di Omero, mostra come “Philpot può prendere un tema mitologico apparentemente canonico e destabilizzarlo silenziosamente attraverso gesti e simbolismi omoerotici”, afferma Kempkes. “La mitologia offre una sorta di travestimento fantasioso. (…) Gli artisti moderni possono collocare il desiderio dissidente in forme culturali consolidate come una sorta di ‘trascinamento storico’.”

Claude Cahun (1894-1954)

“L’identità non si deposita mai.” Per Kempkes, questo è ciò che rende gli autoritratti fotografici di Claude Cahun così unici. Cahun (1894-1954) è stata una fotografa, scultrice e scrittrice francese le cui immagini sono esposte alla Alberta Pine Gallery, in dialogo con il lavoro dell’artista americana Judy Chicago (nata nel 1939), che ha a lungo citato Cahun come un’influenza chiave sulla sua pratica. Entrambi gli artisti, infatti, adottarono nuovi nomi come atti di autonomia. Claude Cahun è nata Lucy Schwob. Judy Chicago, Judith Cohen. Gli autoritratti di Cahun sono spesso realizzati in collaborazione con Marcel Moore, il partner creativo e romantico di tutta la vita di Cahun. Attraverso “lo specchio, il raddoppio, il costume, la mascherata e la trasformazione del corpo”, “annullano costantemente l’idea di un sé stabile”, spiega Kempkes. “Rimango interessato a recuperare l’azione di Marcel Moore in un corpus di lavori che storicamente è stato discusso principalmente sotto il nome di Cahun, e a comprendere la loro collaborazione come una pratica artistica a sé stante.”

Luis Fernando Zapata (1951-1994)

In fiera, sia la Galleria Alonso Garcés Galería che la Galleria Elvira Moreno presentano opere dell’artista colombiano Luis Fernando Zapata (1951-1994). Lavorando a Parigi dal 1988, Zapata ha attinto alle antiche culture mesoamericane, egiziane e mesopotamiche, trasformando forme storiche in simboli personali di perdita e resistenza. “Ciò che mi colpì fu il grado in cui gli ultimi lavori di Zapata trasformarono il linguaggio della morte in un linguaggio di trascendenza. Dopo la diagnosi di HIV a metà degli anni ’80, gli scudi divennero forme simboliche di protezione, mentre la sua serie finale di 12 sarcofagi divenne il culmine esistenziale dei quattro. Sarcophagi No. 9 (1992-94), un vaso di cartapesta in mostra,” dice la silenziosa Semplicità di una culla. È una forma funeraria, ma suggerisce anche un vaso per la rinascita cosmica. Quella tensione tra mortalità e trascendenza è straordinariamente forte.” Zapata è morto all’età di 43 anni. “Un modello simile di perdita d’archivio ha già segnato la storia del modernismo queer”, continua Kempkes. “Molti artisti che hanno vissuto al di fuori delle strutture familiari convenzionali non hanno lasciato eredi diretti per salvaguardare la loro eredità, lasciando le loro opere vulnerabili alla dispersione o addirittura alla completa cancellazione.

Ruth Bernard (1905-2006)

Un nudo femminile è adagiato in uno zoom fotografico che racchiude quasi completamente il suo corpo, il braccio sinistro teso dietro la testa, intrufolandosi oltre il bordo. Questo è Moonrise (1962) di Ruth Bernard, in mostra alla Galerie Albrecht, ed è stata per me una nuova scoperta. Sembra una stampa ritoccata di In the Box – Orizzontale (1962), con una foschia nebbiosa e una falce di luna probabilmente aggiunte al negativo originale in camera oscura, anche se lo spaventoso gallerista era riluttante a confermare. Bernard (1905–2006), il fotografo americano di origine tedesca, si considerava un fotografo professionista, non un artista. “La sua continua indagine sul nudo femminile è il corpo di lavoro che per me condensa in modo più potente la sua pratica”, spiega Kempkes. “Il corpo diventa allo stesso tempo scultoreo, astratto e intensamente incarnato; l’austerità formale non cancella mai la sensualità.” Bernard stabilì un legame con la sottocultura lesbica di New York dopo essersi trasferito lì alla fine degli anni ’20 e aver stretto amicizia con il fotografo Bernice Abbott. “Questo contesto rende possibile leggere il sobrio omoerotismo dei suoi nudi femminili insieme al loro dialogo formale con la Nuova Oggettività e il Surrealismo.” Per Kempkes, il suo lavoro mostra come lo studio della forma modernista apparentemente autonoma possa anche esprimere il desiderio e l’intimità femminile attraverso uno sguardo strano.

AliceNeel (1900-1984)

Individuare un chiodo in una fiera d’arte gremita porta una piccola scossa di gioia. Mi riporta alla mostra del Barbican nel 2023 e, più recentemente, alla mostra dell’Hilton Als per Victoria Miro e David Zwirner. Le due gallerie sono ora riunite per una presentazione congiunta alla fiera. Alice Neel (1900-1984) è stata una formidabile pittrice figurativa e una cronista fondamentale di soggetti strani. Sui suoi ritratti delle figure strane e non conformi di New York, Kempkes dice: “Presi insieme, dimostrano la capacità di Nell di rendere i ritratti psicologicamente diretti senza ridurre i suoi soggetti a tipi”. I suoi modelli includevano Frank O’Hara, Allen Ginsberg, Jackie Curtis, Annie Sprinkle e il famoso ritratto di Andy Warhol. Spesso sono semplicemente seduti (mi mancherà sempre la sua poltrona a righe), lo sfondo appena accennato, tutto vasto in tavolozze quasi fauviste. “Neil rende visibili persone e forme di vita sociale che le narrazioni canoniche hanno spesso trattato come periferiche. I suoi ritratti insistono sulla specificità dell’individuo, registrando allo stesso tempo le comunità culturali e intellettuali che hanno plasmato la New York del dopoguerra.”

Congelare Masters 2026 è aperto fino al 18 ottobre