José María Cabral a Sh*t Happens salito a bordo di Latido Film Sales

José María Cabral, tre volte vincitore dell’Oscar per la Repubblica Dominicana e primo regista dominicano ad essere selezionato al Sundance, con “Woodpeckers” del 2017, presenterà con il film in concorso a Tallinn “Sh*t Happens” la sua prima commedia dark.

Una storia almodovaresca di divisione sociale e giochi di potere in una famiglia dominicana dove – letteralmente – succedono cose di merda, il film è stato scelto dalla Latido Films con sede a Madrid per la sua anteprima mondiale in concorso al Black Nights Film Festival di Tallinn.

Il lungometraggio è stato prodotto da Rafael Elías Muños e Sárah Pérez Báez per l’importante attore dominicano Lantica Studios.

Ammiratore del lavoro di Cabral – da quando il suo canale ha gestito “Hotel Coppelia” (2021) e collaboratore di lunga data con Lantica Studios, Antonio Saura, CEO di Latido Films, ha dichiarato: “Questo film è brillante, la premessa è originale e provocatoria e le performance sono fantastiche; non è solo divertente ma anche l’analisi di un orologio profondo e profondo.”

Infatti, nel film (precedentemente noto come “Gut Feelings”), le schifezze succedono alla famiglia di tre persone: il padre Raúl (interpretato dalla star spagnola Fele Martínez di “La cattiva educazione” di Almodovar e il successo di Netflix “Alpha Males”), sua moglie Véronica (Lizbeth Santos) e la figlia Isabella (Leonoro Forero).

Per curare la figlia malata, il biotecnologo Raúl trova la cura… dentro Lidia (Cindy Galán), la sua tata. “Quando Lidia e la cameriera Dominga (Isabel Spencer) si rendono conto del valore di ciò che hanno inconsapevolmente fornito, decidono di sfidare le dinamiche del piano superiore e inferiore della casa”, si legge nella sinossi.

Cabral ha parlato Quantità sulla critica sociale del film, sull’umorismo assurdo ben calibrato, sull’influenza di Almodovar e… merda!

Innanzitutto, potresti commentare il titolo in spagnolo “Comemierda?”

“Comemierda” ha un doppio significato. Letteralmente, “Kom Mierda” si traduce in “mangiatore di merda”, ma nella Repubblica Dominicana e in gran parte dell’America Latina è spesso usato per descrivere qualcuno che è snob o disprezza gli altri, spesso associato a ricchezza e privilegio. L’espressione ha significati diversi nelle culture e raramente si riferisce alla sua traduzione letterale. Combinando le due parole in una, giochiamo con entrambi i significati e creiamo una nuova interpretazione che il pubblico comprenderà appieno una volta visto il film!

Cosa ti ha spinto a voler tuffarti nella commedia oscura per la prima volta, anche se la critica sociale spesso rappresentata nel tuo lavoro è ancora centrale in questo film?

Non credo di aver deciso consapevolmente: “Adesso farò una commedia dark”. Penso che la storia lo abbia richiesto. Sono sempre stato interessato alle questioni sociali, alle classi e alle contraddizioni delle società in cui viviamo, ma non volevo fare un film che sembrasse pesante e carico. Usando la commedia, mi ha dato il permesso di entrare in luoghi scomodi in un modo diverso. All’inizio ridi, e forse un secondo dopo ti chiedi perché hai riso. Dovrebbe metterti a disagio e, si spera, provocatorio.

La cura microbica miracolosa inventata da Raúl (non sveleremo il suo ingrediente segreto) è un’idea piuttosto folle e folle. Da dove viene?

Tutto è iniziato con qualcosa di molto meno selvaggio: pensando al rapporto che molte famiglie dominicane e latinoamericane hanno con le persone che lavorano nelle loro case. Una tata può crescere i tuoi figli, conoscere i dettagli più intimi della tua famiglia, essere emotivamente indispensabile, eppure può ancora esserci questa gerarchia sociale molto chiara che la separa da tutti gli altri. Allora ho cominciato a chiedermi: cosa potrebbe succedere per invertire completamente quel rapporto? E se all’improvviso la famiglia avesse avuto bisogno di qualcosa dalla tata che i soldi non potevano comprare?

Quella domanda alla fine mi ha portato allo strano trattamento al centro del film. Avevo letto di varie tendenze del benessere e di trattamenti medici alternativi e quando mi sono imbattuto in questa particolare terapia, tutto ha funzionato. Le possibilità diventavano sempre più assurde e alla fine molto divertenti. Ma, cosa ancora più importante, sembrava la metafora perfetta per le dinamiche di potere che volevamo esplorare e sfidare.

Qual è per te l’essenza del film?

Per me si tratta di classe, dipendenza e potere. Fondamentalmente, il film esplora le dinamiche di potere e le contraddizioni che derivano dalla disuguaglianza sociale quando persone di classi sociali diverse vivono sotto lo stesso tetto.

Tendiamo a pensare che chi paga lo stipendio abbia il potere. Ma le relazioni interne sono molto più complicate di così. Cosa succede quando la persona che assumi diventa la persona di cui hai disperatamente bisogno? Sono anni che penso a questo argomento perché queste relazioni sono così normalizzate in questa parte del mondo che a volte smettiamo di vedere quanto siano strane in realtà alcune di esse.

E sebbene questa particolare storia sia ambientata nella Repubblica Dominicana, in realtà è universale. Le circostanze e i dettagli culturali possono variare, ma questa dinamica di potere ineguale tra le famiglie e i loro collaboratori domestici esiste ovunque, a vari livelli.

Non volevo parlare a nome dell’assistenza domiciliare o fare un film con cattivi e vittime facili. Volevo guardare in modo critico un mondo che conosco e usare la commedia e l’assurdità per mettere il pubblico a disagio abbastanza da guardarlo in modo diverso.

Come ha lavorato con gli sceneggiatori Miguel Yarull e Nathalie Peralta per trovare il tono giusto? A quali altri film o serie hai pensato?

Eravamo consapevoli delle potenziali insidie ​​di una simile premessa, ma volevamo davvero superare alcuni limiti tonali. Tutti e tre eravamo d’accordo sul fatto che la scrittura e il cinema moderni dovrebbero implicare l’assunzione di rischi, quindi ci siamo tuffati e abbiamo preso in considerazione tutto questo.

La regola più importante era che i personaggi non avrebbero mai potuto sapere di trovarsi in una commedia.

Questa premessa sta diventando sempre più ridicola, ma tutti devono prenderla sul serio. Da questo contrasto deriva gran parte dell’umorismo. Miguel, Natalia e io abbiamo passato molto tempo a calibrarlo.

C’è anche qualcosa dell’imbarazzante osservazione sociale di Ruben Östlund, Bong Joon Ho o Yorgos Lanthimos, e della libertà dei cineasti che permettono che le situazioni diventino assurde senza spiegare lo scherzo.

Ma alla fine, volevamo che il film fosse profondamente radicato nei Caraibi, e in particolare nell’esperienza dominicana, esplorando temi universali e in risonanza con il pubblico di tutto il mondo.

Puoi dire una parola sull’impeccabile ensemble del casting per adulti?

Il casting era importante perché il film funziona solo se tutti si impegnano pienamente in questa situazione ridicola. Fele Martínez ha questa incredibile capacità di essere divertente senza fare la commedia. Raúl fa cose sempre più discutibili, ma Fele lo mantiene umano e spinto da qualcosa di molto semplice: vuole aiutare sua figlia.

Lizbeth Santos ha portato a Verónica esattamente la complessità che volevo. Sarebbe stato molto facile trasformare quel personaggio nella caricatura di una madre ricca e autoritaria, ma Lizbeth mette la sua vulnerabilità e umanità sotto tutto quel controllo.

Cindy Galán e Isabel Spencer sono state altrettanto importanti perché il film è incentrato sui rapporti tra le donne in casa e su come tali rapporti iniziano a cambiare man mano che cambia la gerarchia.

Lo stile visivo “à la Almodóvar” è sorprendente, con colori vibranti, inquadrature composte e interni ricchi che esaltano la caratterizzazione e la narrazione stravagante. Puoi commentare come è andata?

Sono felice che tu abbia citato Almodóvar, perché volevamo assolutamente che la composizione giocasse un ruolo attivo nella commedia, soprattutto perché Almodóvar usa le posizioni della macchina da presa e i movimenti dei personaggi.

La casa ha quasi un carattere diverso. All’inizio, tutto sembra controllato, pulito e messo insieme con cura, riflettendo come questa famiglia vuole vedere se stessa. Ma man mano che le relazioni all’interno della casa cominciano a cambiare, l’ordine attentamente costruito comincia a sembrare sempre più strano.

Per noi era anche molto importante filmare il più possibile in composizioni d’insieme più ampie. Invece di tagliare in primo piano per ogni riga, volevamo che i personaggi si muovessero all’interno dell’inquadratura e lasciassero che fosse il pubblico a decidere dove guardare e chi seguire. Questo è un film su una famiglia, su un gruppo di persone che reagiscono costantemente tra loro, quindi è stato naturale lasciare che quella dinamica si svolgesse nella stessa inquadratura. Abbiamo cercato di essere parsimoniosi con la nostra copertura, coreografando attentamente sia i movimenti degli attori che quelli della telecamera e facendo affidamento su meno tagli.

Quali sono state le sfide più grandi durante le riprese?

Sicuramente mantieni una faccia seria a volte. C’erano giorni in cui uscivi dal palco e realizzavi: “Passiamo un sacco di tempo e lavoriamo molto seriamente discutendo… merda”. Ahahah.

Ma in realtà la vera sfida era non trattarlo come uno scherzo. Nel momento in cui gli attori strizzano l’occhio al pubblico, il film crolla. Fele potrebbe pronunciare una battuta assolutamente folle e discuteremmo seriamente delle motivazioni e della verità emotiva come se stessimo girando un film di Bergman! Questo è diventato parte del divertimento: più il materiale era assurdo, più lo trattavamo seriamente.